Fotografia
         A fotografia,que nasceu em preto e branco,com o tempo ganhou cores.A primeira colorida com data de 1861 foi feita por James C.Maxwell.
         No começo as cores eram fracas e desapareciam com o passar do tempo. Depois, foram desenvolvidos filmes coloridos com gamas de cores mais variadas e duráveis .
        Foto é um radical de origem grega que quer dizer "luz". Grafia  também vem do grego e significa "escrita" . Fotografar é, portanto ,"desenhar com luz".
           A invenção da fotografia revolucionou a forma de olhar e de representar o mundo. Antes dela , para capturar uma imagem da natureza era necessário fazer um desenho ou uma pintura . Depois dela, cada instante da vida pode ser guardado num simples clique da máquina .
           A fotografia é o registro do momento , de uma certa cena escolhida pelo olhar do  observador , na fotografia é possível congelar um movimento , analisá-lo em seus detalhes e guardá-lo por muito tempo.
          Em 1840 , a fotografia chegou ao Brasil com Louis Compte , trazendo a técnica de Paris , ele fez três demonstrações , chamando a atenção do Imperador D. Pedro.
           As máquinas fotográficas que usam filmes fotossensíveis e necessitam de revelação para a visualização das imagens têm sido substituídas pelas máquinas digitais , com cartões de memória . As imagens dessas máquinas  podem ser observadas em computadores, celulares ,  além de impressas em papel pelo próprio usuario.

        

Arte Moderna

 A arte moderna surgiu no final do século XIX em várias expressões artísticas como, por exemplo, pintura, escultura, literatura, arquitetura, fotografia e música. Embora não haja consenso sobre a datação deste período, muitos especialistas em arte, consideram que o movimento vai até a década de 1970.

Os impressionistas, primeiros pintores modernos, geralmente escolhiam cenas de exteriores como temas para suas obras: paisagens, pessoas humildes, etc.   

Principais movimentos e correntes artísticas da Arte Moderna:

- Impressionismo

- Pós-impressionismo

- Fauvismo,

- Cubismo

- Expressionismo

- Surrealismo

- Concrestismo

- Futurismo

- Pop Art

Características da Arte Moderna 

Objetivando romper com os padrões antigos, os artistas modernos buscam constantemente novas formas de expressão e, para isto, utilizam recursos como cores vivas, figuras deformadas, cubos e cenas sem lógica. O marco inicial do movimento modernista brasileiro foi a realização da Semana de Arte Moderna de 1922, onde diversos artistas plásticos e escritores apresentaram ao público uma nova forma de expressão. Este evento ocorreu no Teatro Municipal de São Paulo. 

Não foi fácil para estes artistas serem aceitos pela crítica que já estava acostumada com padrões estéticos bem definidos, mas, aos poucos, suas exposições foram aumentando e o público passou a aceitar e entender as obras modernistas. 

A Arte Moderna está exposta em muitos lugares, em São Paulo ela pode ser vista no Museu de Arte Moderna, nas Bienais e também em outras formas de exposições que buscam estimular esta forma de expressão. 

Artistas brasileiros

Destacam-se como artistas modernistas brasileiros: Di Calvancanti, Vicente do Rêgo, Anita Malfatti, Lasar Segall, Victor Brecheret, Tarsilla do Amaral e Ismael Nery.

Queridos alunos!
Gostei muito das postagens de Artes!
Encerramos o Blog de 2013 com muito sucesso!


Um grande abraço!
Vanessa

Cubismo é o nome dado a um movimento artístico que prima pelo uso de formas geométricas na elaboração das obras. O início do cubismo no Brasil aconteceu depois da Semana de Arte moderna (ou Semana de 1922). Citaremos, neste artigo, não artistas  totalmente cubistas – não existiu nenhum desse tipo no Brasil que tivesse tanta importância –, e sim pintores que mostraram traços do movimento em suas obras. Vamos ver algumas dessas obras com seus respectivos criadores:

Tarsila do Amaral

 

Perceba, na pintura, a influência do movimento cubista a partir do uso de formas geométricas no desenho da torre e das pessoas ao redor dela. Para a construção e para as bandeirinhas, foram usadas formas retas, bidimensionais, enquanto para as pessoas e a natureza, seres vivos, foram utilizadas formas cilíndricas e tridimensionais.

Tarsila do Amaral nasceu em 1 de setembro de 1886, no Município de Capivari, interior do Estado de São Paulo. Filha do fazendeiro José Estanislau do Amaral e de Lydia Dias de Aguiar do Amaral, passou a infância nas fazendas de seu pai. Estudou em São Paulo, no Colégio Sion e depois em Barcelona, na Espanha, onde fez seu primeiro quadro, 'Sagrado Coração de Jesus', 1904. Quando voltou, casou-se com André Teixeira Pinto, com quem teve a única filha, Dulce.

Separaram-se alguns anos depois e então iniciou seus estudos em arte. Começou com escultura, com Zadig, passando a ter aulas de desenho e pintura no ateliê de Pedro Alexandrino em 1918, onde conheceu Anita Malfatti. Em 1920, foi estudar em Paris, na Académie Julien e com Émile Renard. Ficou lá até junho de 1922 e soube da Semana de Arte Moderna (que aconteceu em fevereiro) através das cartas da amiga Anita Malfatti. Quando voltou ao Brasil, Anita a introduziu no grupo modernista e Tarsila começou a namorar o escritor Oswald de Andrade. Formaram o grupo dos cinco: Tarsila, Anita, Oswald, o também escritor Mário de Andrade e Menotti Del Picchia. Agitaram culturalmente São Paulo com reuniões, festas, conferências. Tarsila disse que entrou em contato com a arte moderna em São Paulo, pois antes ela só havia feito estudos acadêmicos. Em dezembro de 22, ela voltou a Paris e Oswald foi encontrá-la.

No ano de 1923, Tarsila encontrava-se em Paris acompanhada do seu namorado Oswald. Conheceram o poeta franco suíço Blaise Cendrars, que apresentou toda a intelectualidade parisiense para eles. Foi então que ela estudou com o mestre cubista Fernand Léger e pintou em seu ateliê, a tela 'A Negra'. Léger ficou entusiasmado e até chamou os outros alunos para ver o quadro. A figura da Negra tinha muita ligação com sua infância, pois essas negras eram filhas de escravos que tomavam conta das crianças e, algumas vezes, serviam até de amas de leite. Com esta tela, Tarsila entrou para a estória da arte moderna brasileira. A artista estudou também com Lhote e Gleizes, outros mestres cubistas. Cendrars também apresentou a Tarsila pintores como Picasso, escultores como Brancusi, músicos como Stravinsky e Eric Satie. E ficou amiga dos brasileiros que estavam lá, como o compositor Villa Lobos, o pintor Di Cavalcanti, e os mecenas Paulo Prado e Olívia Guedes Penteado.

Tarsila oferecia almoços bem brasileiros em seu ateliê, servindo feijoada e caipirinha. E era convidada para jantares na casa de personalidades da época, como o milionário Rolf de Maré. Além de linda, vestia-se com os melhores costureiros da época, como Poiret e Patou. Em uma homenagem a Santos Dumont, usou uma capa vermelha que foi eternizada por ela no auto-retrato 'Manteau Rouge', de 1923.

Primeira fotografia oficial tirada no Brasil

A Primeira fotografia oficial tirada no país,  foi feita pelo francês Louis Compte, que introduziu no Rio de Janeiro o processo fotográfico chamado Daguerreotipia.

Ele chegou de Paris no dia 16 de janeiro de 1840 e realizou três demonstrações sobre o funcionamento da espécie de máquina fotográfica, apresentando o instrumento ao imperador D. Pedro II.

As fotos foram expostas no outro dia, no Hotel Pharoux, no Largo do Paço, ilustrando o chafariz do Largo, a Praça do Peixe, o Mosteiro de São Bento e todos os outros objetos circunstantes.

Difusão da técnica

Entusiasmado com a nova invenção, apesar de ter apenas 14 anos, D. Pedro II encomendou um equipamento de Daguerreotipia e promoveu a arte fotográfica brasileira, difundindo a nova técnica por todo o país.

Primeira experiência

Um dos pioneiros da fotografia no Brasil foi o pintor e naturalista francês, Antoine Hercules Romuald Florence, que chegou ao país em 1824 e se estabeleceu em Campinas – SP.

Em 1833, ele fotografou através da câmara escura, com uma chapa de vidro e usou papel sensibilizado para a impressão por contato. Florence chamou o experimento de ‘Photografie

 artes-cubismo

Dentre as Vanguardas Europeias destacam-se o Futurismo, Dadaísmo, Surrealismo, Expressionismo e Cubismo.

Mas para adentrarmos em um conhecimento mais específico sobre o Cubismo, é interessante sabermos um pouco mais sobre o contexto histórico no qual esse se deu.

  Durante o século XX, com o advento da tecnologia em decorrência da Revolução Industrial, na qual o resultado foi o espantoso progresso material, as grandes potências mundiais entraram em uma disputa totalmente acirrada pelo poder.

   Dessa forma, em meio a uma instabilidade política entre países europeus, ocorreu a Primeira Guerra Mundial, em 1914. Tal conflito foi o estopim para o surgimento de um sentimento nacionalista, resultando na criação de várias correntes ideológicas, tais como o nazismo, o fascismo e o comunismo, as quais mudaram o cenário mundial durante o decorrer do século.

   E foi justamente entre o período compreendido entre a Primeira e a Segunda Guerra Mundial que ocorreram os movimentos artísticos denominados vanguardas. Como podemos observar, todos tiveram a terminação em “Ismo”, e todos, mesmo possuindo características divergentes entre si, pautavam-se pelo mesmo objetivo: O questionamento do legado cultural deixado pelo século XX, cujos padrões acadêmicos, baseados numa arte cristalizada e conservadora, não eram mais vistos de maneira plausível.

   Diante disso, era necessária a criação de novos padrões estéticos que representassem a realidade perante o novo século que acabara de surgir. E foi nesse contexto histórico-social que tudo ocorreu.

O Cubismo estendeu-se de 1907 a 1914, tendo na pintura seus principais representantes: Pablo Picasso, Fernand Léger, André de Lothe, Juan Gris e Georges Braque. Na literatura figuram-se Apollinaire e Cendras.

manifesto Antropofagico

          O Manifesto Antropófago ou Antropofágico  foi um manifesto literário escrito por Oswald de Andrade, publicado em maio de 1928, que tinha por objetivo repensar a dependência cultural brasileira.O Manifesto foi publicado na primeira edição da Revista de Antropofagia, meio de comunicação responsável pela difusão do movimento antropofágico brasileiro. A linguagem do manifesto é majoritariamente metafórica, contendo fragmentos poéticos bem-humorados e torna-se a fonte teórica principal do movimento.Oswald utiliza durante o desenvolvimento do manifesto, teorias de diversos autores e pensadores mundiais, como Freud, Marx, Breton, Francis Picabia, Rousseau, Montaigne e Hermann Keyserling. Combinadas as idéias destes autores e a ideologia desenvolvida por Oswald, retomam-se características dos primórdios da formação cultural brasileira: a combinação das culturas primitivas (indígena e africana) e da cultura latina, formada pela colonização européia. E forma-se o conceito errôneo de caracterizar, perante a colonização, o selvagem como elemento agressivo.A intenção de promover o resgate da cultura primitiva é notável no manifesto, e o autor o faz por meio de um processo não harmonioso de tentar promover a assimilação mútua por ambas as culturas. Oswald, no entanto, não se opõe drasticamente à civilização moderna e industrializada, mas propõe um certo tipo de cautela ao absorver aspectos culturais de outrem, para que a modernidade não se sobreponha totalmente às culturas primitivas. E também, para que haja maior cuidado ao absorver a cultura de outros lugares, para que não haja absorção do desnecessário e a cultura brasileira vire um amontoado de fragmentos de culturas exteriores.No decorrer do manifesto o autor reconta, metaforicamente, a História do Brasil, associando figuras como Padre Vieira, Anchieta, a Mãe dos Gracos, a corte de D. João VI, a Moral da Cegonha à potência mítica de Jabuti, Guaraci, Jaci e da Cobra Grande. Oswald caracteriza como “idade de ouro” a época do Brasil não colonizado, com sua própria língua e cultura.O Manifesto Antropofágico foi um marco no Modernismo brasileiro, pois não somente mudou a forma do brasileiro de encarar o fluxo de elementos culturais do mundo, mas também colocou em evidência a produção própria, a característica brasileira na arte, ascendendo uma identidade tupiniquim no cenário artístico mundial.